De A vila à Allphaville

Introdução

Existem muitos filmes que se basearam em alienação social, para construir uma imagem da sociedade tanto no presente quando numa idéia futurista, para mim A vila (The Village- 2004) e Alphaville (Alphaville, une Étrange Aventure de Lemmy Caution- 1965) são retratos distintos e ao mesmo tempo semelhantes dessa idéia, A Vila com seu controle pelo medo e mitos criados em torno de uma floresta e Alphaville, uma sociedade futurista controlada pela ciência.

O que levou-me ao questionamento sobre tais fatos, foram as particularidades de ambas a obras, A Villa é claramente filha de Alphaville, mas retrata o presente, Shyamalan direciona sua critica mostrando que o controle mental e a alienação existem nesse presente, já Godard inicia uma distopia na noção de futuro, uma critica aos nossos preceitos tecnológicos enquadrando essa tecnologia como controladora e alienadora.

Analise e questionamentos em torno de A vila

 A história de terror contada pelo diretor M. Night Shyamalan é a de uma vila que é completamente isolada da sociedade por um bosque. Nenhum de seus habitantes pode atravessar o bosque em direção à cidade, pois é habitado por temíveis criaturas que o pessoal da vila nem tem coragem de citar, se referindo a eles apenas como “aqueles dos quais não falamos”. Esta imagem de medo do mito dos monstros fica cercada de um mistério criado pelos anciões da comunidade, os quais segundo relatos (provavelmente deles mesmo) já haviam sido atacados anteriormente. O motivo do isolamento é que a comunidade da vila mantem uma espécie de pacto de não-agressão com as criaturas. Os habitantes da comunidade não poderiam entrar no bosque, nem usar vermelho, então as criaturas não as atacariam. O filme gira entorno de uma atmosfera escura e de suspense constante, justamente o clima que os anciões tentavam passar para a população: a sensação de medo. Os anciões, que constituíam o governo e “a palavra final” na comunidade, resolveram criar algo para controlar os habitantes do vilarejo, e qual a estratégia mais indicada para controle de massa ? O medo.

Podemos fazer uma relação claramente da obra de Shyamalan com os dias de hoje. Qual a estratégia usada pelo governo dos Estados Unidos para manter a fidelidade da população e sua permanência indiscutível? Também o medo. O uso do medo como fator de repressão de massas foi usado recorrentemente na história e é usado até hoje. A maneira mais eficaz para criar uma justificativa de permanência no poder é criar ou usar-se de uma situação de ameaça para então atacá-la constantemente, criando uma falsa sensação de segurança, não importando se ela existe ou não. O ser humano tende a querer segurança a qualquer custo, mesmo que isto signifique uma má governabilidade.

Isso demonstra bem a passagem do pensamento mítico para o filosófico-científico. O enredo do filme “A Vila” pode ser visto como a evolução da humanidade. No começo, como os habitantes da comunidade já nasciam com a concepção do mito dos monstros formada, incutida em suas mentes desde pequenos pelos anciões, a veracidade do mito era pouco importante. Não havia nenhuma insatisfação que levasse a algum questionamento, pois o problema não era a existência ou não dos monstros, e sim se resguardar deles. Por um bom tempo, eles viveram sem discutir sua veracidade, pois estavam conformados com sua própria situação. Esta pode ser interpretada como uma primeira fase do pensamento humano, na qual os mitos prevaleciam[1], e a explicação dos fenômenos naturais eram explicados pelos mitos.

No desenvolvimento do filme, os personagens vão amadurecendo, e se questionando cada vez mais, insatisfeitos com a maneira de interpretar os fatos que lhes foram impostos a vida toda. Desta insatisfação vem o questionamento e a busca por outra maneira de enxergar a realidade, desafiando os próprios conceitos aceitos pela sociedade. Temos aqui um ponto interessante de comparação do filme com a evolução do pensamento da humanidade: no filme, temos o impasse de Ivy Walker (Bryce Dallas Howard) com seu pai, Edward Walker (William Hurt), assim como temos, na história, o impasse da ciência com a religião, representando o conflito do pensamento mítico-religioso com o filosófico-científico. Ousando ir até um pouco mais além, no filme, Edward Walker é pai de Ivy Walker, assim como o pensamento mítico foi pai do pensamento filosófico-científico, já que foi preciso de uma origem concebida anteriormente para se criar outra.

A revelação da farsa do mito dos monstros mostra a criação definitiva da ciência e sua aceitação pela sociedade. Mas assim como o pensamento filosófico-científico veio se contrapor com o pensamento mítico, estamos sujeitos, em um futuro próximo, vir a contrapor o pensamento filosófico-científico com alguma outra forma de enxergar e compreender nossa realidade.

Analise e questionamentos em torno de Alphaville

Esta foi a primeira incursão do diretor na ficção científica, mas lembrando que o diretor sempre procurava manter seus orçamentos modestos depois da empreitada de O desprezo. Então, nada de grandes efeitos especiais e visual futurístico o plano de fundo é a capital Francesa, com seus luxos luzes e significações da chegada do progresso. Apesar do tema, este continua sendo um filme de Godard. Novamente ele conta com uma presença americana, Eddie Constantine, ator de filmes B de Hollywood e sua garota-símbolo, Anna Karina, para contar a história.

Constantine interpreta Lemmy Caution, uma espécie de espião que vai para a cidade de Alphaville pra cumprir uma missão de eliminar ou capturar o Professor Von Braun. O personagem Caution é emprestado de uma série de filmes populares na França, sempre interpretado pelo mesmo ator. É como se Godard tivesse apenas dando sequência a uma série de filmes. Ele ainda dirigiria outro filme com o personagem em 1991, já o ator ficaria preso a esse papel pelo resto da sua vida.

Alphaville é uma das cidades mais estéreis e opressores que o cinema já viu. O professor Von Braun criou um computador que dita como todas as pessoas da cidade devem viver. Claro que computadores não entendem de emoções, então todas as emoções são proibidas. Em uma cena, um homem pergunta se a personagem de Anna Karina, a filha de Von Braun está chorando, ela responde que não pois é proibido. Em todo lugar há uma bíblia, que na verdade é um dicionário que é constantemente atualizado. Todo dia ele tem palavras cortadas que foram consideradas proibidas.

É o filme mais político do diretor antes de chegar na fase realmente política. O personagem Caution está constantemente contra a política daquele lugar. "Nunca me tornarei um de vocês" ele exclama, e se vira contra tudo que aquele lugar representa. Talvez por isso o nome do professor pareça tão alemão. E também não por acaso somente as pessoas de fora achem que há algo de errado, os moradores não tem reclamações.

Ao fim Caution percebe que a maquina não consegue codificar os mais singelos pensamentos humanos, e ele na figura de herói apaixonado, parte para a retirada de sua amada dessa capital nostálgica e leva-la de volta ao mundo externo.

Semelhanças e referencias na construção das obras

A vila se torna uma obra diretamente influenciada pelo filme de Godard, a noção de repressão e aprisionamento social é algo em comum em ambos os filmes, mas a diferença no tipo de aprisionamento era a forme de controle, se em A vila  sociedade era controlada pelo medo, em Alphaville o governo era estabelecido por uma maquina, que dava retirava das pessoas qualquer senso de realidade, as colocando num estado geral de alienação.

Na Alphaville de Godard, não há subjetividade, não há arte, não há liberdade, não há comportamento imprevisível. Há apenas a ditadura da lógica, apenas seres humanos sem expressão, aos quais progressivamente se proíbe o uso até mesmo de certas palavras, como consciência e amor. Seus habitantes são pessoas que se cumprimentam com um “estou muito bem, obrigado”, isto é, com aquilo que se esperaria de resposta, como que voltados para si mesmos. Qualquer semelhança com os diálogos frios, formais e pré-determinados entre vizinhos/colegas de trabalho que se encontram no elevador não é mera coincidência. O mesmo se pode dizer da semelhança entre o comportamento promíscuo/submisso das mulheres do filme e a instrumentalização corrente do elemento feminino, mero meio para obter prazer ou para que sua utilização na publicidade venda determinado produto. Por que Alphaville exclui da linguagem conceitos como “arte” ou “consciência”? Porque, como Lemmy Caution provou, aquele sistema não os suporta – confrontado com a poesia, implode, deixando suas crias desnorteadas após tanto tempo de alienação. Alphaville não suporta questionamento; tudo são explicações postas, exteriores e inquestionáveis (é proibido dizer “por quê?”; deve-se sempre dizer “porque”).”

Já no filme de Shyamalan, a Vila era corrompida simplesmente por mitos,a obra reflete a tendência comum do ser humano em tentar encobrir o mal, negando, escondendo, fugindo e ocultando-o como um segredo, não é permitido se questionar sobre o que passa fora do mundo isolado do pequeno vilarejo, é como se a existência pura dependesse do isolamento social e eles temiam se tornar escravos das necessidades humanas, as pessoas viviam presas sem acesso a nada que vinha de fora,

Existia uma especie “ lavagem cerebral “ onde são impostos pelos mais velhos todos os ensinamentos do qual acham necessários para que os alunos não possam refletir se realmente não existe algo além do que são exigidos pela sociedade. Vimos também quando alguém resolve refletir e buscar respostas há uma punição pelo descumprimento da lei, a punição no caso de alphaville era a sacrificação, não apenas de quem buscava saber algo sobre as terras externas, mas também tdo ser demonstrasse qualquer singelo sentimento como chorar no funeral da esposa, na capital da dor, até as palavras . assim  ou sentir uma atração por outro ser, todas as pessoas se comportando como meros objetos sendo controlado por uma força maior, um “Deus”chamado Alpha 60 que considera que tudo na vida écalculado.

A resolução e a libertação na centralização dos sentimentos

A libertação de Natacha da cidade de Alphaville, contou com o imenso apoio de seu amado, Remy Caution, ou seja, foi necessário que alguém de terras externas entrasse no sistema da cidade, se envolvesse e desafiasse toda a cúpula de governo, o aprisionamento se dava pela falta de senso critico, como se tudo estivesse bem sempre e nada disso nunca muda, Godard nesse sentido lança a critica a própria sociedade através das cenas em que as cordialidades cotidianas sempre se repetiam igualmente, é como se no futuro que o cineasta imagina tudo seria movido pelo exagero, ou seremos infinitamente cordiais pela ingenuidade e por estarmos sendo controlados e monitorados 24 horas por dia, ou pó pura hipocrisia ou falsidade, até por que o protagonista sempre responde de má fé a essas cordialidades.

Em A vila vemos o temor e a ingenuidade, o medo domina tudo, o isolamento era de certa forma obrigatória, mas como o controle de mentes não era total como o que existia no filme de Godard, logo começariam a aparecer questionamentos sobre existência e a função de cada um naquele lugar, como já de praxe do ser humano buscar por novas verdades e ter dentro de si uma ânsia total de liberdade, nesse filme não seria diferente, Edward se questionava sobre buscar um novo lugar, e o que o ouvia era que não existia nada além das fronteiras de A vila e que poderia ser morto na floresta pelos monstros se tentasse fugir.

Em Alphaville foi necessário alguém vir de fora pra poder fazer a libertação física e psicológica de alguém, Alpha 60 era perfeito como maquina, mas seu ponto crucial é que no seu entender até os sentimentos humanos era algo calculável e controlável, mas se considerava isso então por que privarem as pessoas desses sentimentos? O controlador da sociedade tinha uma falha, a inovação tecnológica não é vista por Godard como algo totalmente bom para o ser humano e coloca Alpha 60 como representante disso.

 O computador decide então enfrentar e obter o controle dos sentimentos, especialmente o amor, mas ao tentar entender e calcular, acaba por pifar, o se vê nessa cena é a principal falha nessa tecnologia que assim como o próprio ser humano é finita, mas a superioridade humana se dá a partir da entendimento e da utilização desses sentimentos para o bem em comum, Alpha 60 não entendia isso, era uma maquina construída infinitamente para calcular, a derrubada o governante central, acaba por definir a destruição total de Alphaville na cena da fuga dos protagonistas fica claro a libertação do aprisionamento e alienação social, emquanto todos os “alienados” queimam junto com a cidade, Natacha libertada pelo amor foge para além das fronteiras da cidade com Remy Caution.

Se em Alphaville a derrocada da cidade se deu de fora para dentro através de Remy Caution, em A vila se deu de forma contraria, Edward se faz os questionamentos conhecidos da linha filosófica e desafia os mando e desmandos dos controladores, nessa caso porem percebemos com clareza tanto no filme de Shyamalan quanto no filme de Godard é o mito da caverna de Platão "imaginemos um muro bem alto separando o mundo externo e uma caverna. na caverna existe uma fresta por onde passa um feixe de luz exterior. no interior da caverna permanecem seres humanos, que nasceram e cresceram ali. ficam de costas para a entrada, acorrentados, sem poder locomover-se, forçados a olhar somente a parede do fundo da caverna, onde são projetadas sombras de outros homens que, além do muro, mantêm acesa uma fogueira. pelas paredes da caverna também ecoam os sons que vêm de fora, de modo que os prisioneiros, associando-os, com certa razão, às sombras, pensam ser eles as falas das mesmas. desse modo, os prisioneiros julgam que essas sombras sejam a realidade. imagine que um dos prisioneiros consiga se libertar e, aos poucos, vá se movendo e avance na direção do muro e o escale, enfrentando com dificuldade os obstáculos que encontre e saia da caverna, descobrindo não apenas que as sombras eram feitas por homens como eles, e mais além todo o mundo e a natureza. caso ele decida voltar à caverna para revelar aos seus antigos companheiros a situação extremamente enganosa em que se encontram, correrá, segundo platão, sérios riscos - desde o simples ser ignorado até, caso consigam, ser agarrado e morto por eles, que o tomaram por louco e inventor de mentiras."

Curiosidades e particularidades

Alphaville está entre os filmes de menor orçamento de Godard, Mas é o segundo filme mais assistido do diretor perdendo apenas para Acossado, a receptividade do filme dentro da França surpreendeu até mesmo o próprio diretor, a utilização de recursos básicos – Alpha 60 era um ventilador com uma luz em baixo- não limitou porem o enredo da obra, ao contrario, ele consegue fazer com maestria cada detalhe do regime futurista da cidade explorando apenas Paris como plano de fundo.

Mas considero ele mais humano possível talvez por isso essa grande receptividade, É um filme sublime, que mostra como as pessoas podem se perder se tiverem seus sentimentos reprimidos, pois o que nos faz humanos são eles, são nossa força interior, se não nos expressarmos, seremos como robôs. Não pode deixar de ser visto por nenhum cinéfilo, mesmo que “novato”, nem por qualquer pessoa alias, pois traz uma mensagem importante e você ainda pode ter a chance de compreender como os filmes de antigamente eram mais focados na narrativa, pois os efeitos especiais eram escassos. Hoje os filmes são vagos, tem um começo-meio-fim que parece seguir a mesma lógica, a mesma história, e ainda se perdem nos efeitos especiais.

Em A vila o que predomina é o clima de tensão, mas em uma das sequencias Surge o som de um violino suave e bem tranqüilo, mostrando que este local é de paz, surge um mistura de imagens com crianças lavando pratos, pessoas trabalhando e moças dançando na área de uma casa.  As cenas vão ancorando em imagens bonitas e a música é muito agradável transmitem sensações de alegria e leveza. Mas como parecia tudo bem, surge outro som de um violino agudo dando a sensação de indecisão e tensão, e embalando para mais momentos de sensações de frio na barriga, indicando que algo de ruim vai acontecer, este embalo vai ancorar na imagem do monstro de capa vermelha refletido na água. Por vez é uma belíssima cena, mas representa o perigo o medo.

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[1] Como nas sociedades gregas, romanas, célticas

Peter Jackson e as analogias escatológicas da sua trilogia Trash

Peter Jackson ainda era um prodígio antes de entrar para o hall do cinema norte-americano, no inicio de sua carreira ainda na nova Zelândia exercia com amadorismo porem com muito talento os indícios de que seria um cineasta de muita originalidade. Entre os intervalos da faculdade com seu grupo de amigos aproveitava o tempo com uma câmera a filmar suas idéias e nessa brincadeira saíram filmes como o hilário Nauseá total (Bad taste -1987) apesar de seu lançamento indicar o ano de 1987, esse filme foi iniciado em 1981, com o intuito apenas do divertimento e o roteiro era trabalho a partir das idéias que eles tinham no dia da gravação, onde mostram um extravagante grupo governamental investigando a presença de alienígenas no planeta Terra, e tinham que resolver o mistério de cidades que ficavam desertas sem nenhuma explicação, pessoas desapareciam a todo momento. Até aí tudo bem, não fossem os visitantes esquisitos (quando não estão disfarçados de humanos) e perigosos, usando os cérebros humanos como guloseimas – não é pra menos que a intenção dos seres de outro mundo é conseguir matéria prima para uma rede de fast-food intergaláctico. A ironia nesse filme, via-se na ação dos próprios aliens, o desejo de buscarem no cérebro humano matéria prima para seu planeta, remetia na metáfora da superioridade da raça de outro mundo, sendo assim a fonte de inteligência humana seria um mero tempero em seus fast-food. O paradoxo trabalhado ao longo do filme é que os seres humanos vencem a guerra contra esses seres “superiores”. O que se via nesse clássico do cinema trash/terror era que o roteiro praticamente não existia, a narrativa é básica e sem preocupação com a argumentação, o que se via bastante eram decapitações, sangue, sustos e muito canibalismo.

 Esse tipo de filme geralmente aborda a temática da escatologia tenta ironizar as formas de “fim do mundo” através da comicidade, carnificina e muita podridão, mas existem outros trabalhos que fundamentam outras temática, feitos até mesmo por esse grupo neo-zelandês e novamente regidos por Peter Jackson, dessa vez a idéia de trabalhar com pouco recurso e muito talento ainda é o foco principal, mas o grupo resolve inovar no estilo gore de cinema, a idéia agora na falta de atores pro elenco a solução foi a utilização de bonecos e o resultado é algo que faz rir, Meet the Feebles (1989) choca e até mesmo impressiona, os exageros desse trabalho são comentados principalmente pela fotografia, troca de planos, cenários de brinquedo e muita criatividade o filme fixa em Heidi, a Hipopótamo estrela do show de variedades Meet The Feebles, descobre que seu marido e companheiro de espetáculo Bletch, a Morsa, a está traindo. Mas ela sabe que é preciso lidar com seus próprios problemas e não pode desistir da apresentação. Um musical que trata de abuso de drogas, assalto, AIDS e até assassinato. Mas enquanto o show acontece, o perturbado Trevor, o Rato, quer ameaçar de uma vez por todas o amor entre as estrelas. É que ele está interessado em conquistar Heidi. O que se percebe nesse filme apesar o caráter trash o que ele tem de diferencial é a exploração sarcástica sobre temas como diferenciados, Todos os "Feebles" tem seus próprios dramas pessoais, cada um mais negro e bizarro que o outro, enquanto se preparam para a apresentação de um musical.

Analisar esse filme se torna complicado, perceber cada analogia e metáfora critica contida em cada personagem, é uma missão árdua, cada minuto tem uma atrocidade ou mais, desde um coelho com AIDS vomitando quatro vezes o volume do seu corpo em líquido, á várias cenas de sexo envolvendo um esquilo e uma morsa. O que dá pra perceber também é que Jackson mostra uma visão adulta, escrachada, e doentia sobre os Muppets e quaisquer outros animais antropomórficos. Onde ele ridiculariza os clichês dos dramas pessoais que envolvem o "showbiz", de sexo e traição à drogas e violência. Isso é evidenciado na característica de cada personagem. Wynyard é um jacaré veterano da guerra do Vietnã que é viciado em todos os tipos de droga, da cafeína ao LSD e cocaína, no filme o uso excessivo de drogas por parte do personagem é explicado pela agonia de ser viciado em algo, no caso ele era viciado, na adrenalina da guerra e desde que retornou, tenta resgatar isso.

Na integra essa película consegue chegar com maestria ao seu objetivo, sem recursos, filmando com uma só câmera, – assim como Bad Taste- com fotografia defasada, aqui a proposta é uma diversão escapista, maluca, muito nojenta e divertida.

No terceiro filme da trilogia trash de Peter Jackson a exploração é bem diferente dos dois primeiros; tem uma produção mais bem caprichada além de mais recursos tanto de fotografia quanto de efeitos, mas não perde a essência gore em nenhum momento, nesse trabalho em questão o diretor trata de uma historia um pouco mais dentro dos padrões desse cinema o filme começa com caçadores em uma floresta na áfrica, trazendo consigo o animal exótico batizado de “macaco ratazana de Sumatra” criatura essa que ficaria exposta num zoológico, onde se inicia o desenrolar da historia.

O personagem Lionel é o tópico herói de filmes de comédia, tímido e mora com uma tia velha e rabugenta, personagem essa que delimita o princípio da ação determinante ao ser mordida pelo animal estranho, onde começa a desenvolver uma doença que lhe dá características de zumbi, assim desencadeando um vírus que atingirá a população para alem de sua residência. Nesse novo filme não enxergamos metáforas tão discutíveis como nos outros dois trabalhos e de certa forma, isso é proposital, as analogias empregadas nesse novo cenário são mensagens extremamente sublimares a temática geral do filme, a escatologia explorada na película em questão é  noção de distopia, nesse caso sobre vírus, quase 20 anos antes dos grandes blockbusters hollywoodianos de zumbis, Jackson já explorava esse estilo de fim do mundo com maestria, nesse caso a ironia funciona como forma de humor negro, a sátira do fim do mundo.

Novamente os argumentos são falhos, mas sem tanta importância, o roteiro é mais bem trabalhado, mas nada que impeça a carnificina, os sustos e os inúmeros litros de sangue usados no filme.

Breve ensaio Sobre Santiago

Um documentario sobre um documentario

Sinopse

Em 1992 o diretor João Moreira Salles planejou o documentário "Santiago", baseado na vida do mordomo da casa de sua família. Devido à sua incapacidade em editar as cenas filmadas, o longa-metragem nunca foi concluído. Em 2005 o diretor voltou a trabalhar sobre as cenas gravadas, encontrando outro foco no material rodado.

Quando criança imaginava que todo menino tem um ídolo no qual almejar se tornar pelo menos parecido, olhando pra o jeito de Santiago lembro-me de meu avô, pescador velho e de muitas historias e em duas semelhanças e diferenças, acho que João Moreira Sales, o enxergava não apenas como mordomo, mas como um ser diferente que em 30 anos lhe passou todo tipo de emoção e experiências tão memoráveis Que “Joãozinho” não queria que passassem despercebidas nem pelo mundo e nem por ele e seu irmão, daí surgida a idéia de fazer o documentário. Acho que por esse motivo o filme não se torna um lugar de estranhamento para mim, me imaginei eu como Paulo e meu avô como Santiago, não que sejam parecidos mais a situação em si se torna similar pelo simples respeito e pela admiração daquele personagem.

“Tempo implacável, pela sua falta de consideração”

Percebemos ali que não se tratava apenas de um documentário sobre um mordomo culto, Santiago em cerca de de 50 anos escreveu em sua velha maquina aproximadamente 30 mil páginas contanto a história de nobres e aristocratas, de condes italianos a chefes Dakota e ele mesmo se impressionava com essa capacidade, mas esse seu dom o premiava e fazia dele uma pessoa sempre acompanhada por suas lembranças, gostos e personagens dos quais ele não queria que perecessem no esquecimento.

1 hora, 19 minutos e 17 segundos, deitado em frente ao meu notebook eu mergulhava diante de uma nova viagem, viagem da qual me faria imaginar sobre aspectos da vida, as belezas européias, castanholas e até no inferno de Dante.

Santiago me fez pensar num termo chamado “Historia viva”, pois era um sonhador intelectual, um historiador não-acadêmico, mas principalmente um Romântico.

Encaro a segunda idéia do documentário como um pedido de desculpas, por não ter percebidos os detalhes emocionantes no qual ele poderia ter vivido naqueles meros 5 dias, de não ter percebido as singularidades da forma de tratamento, não teve a humildade de perceber não somente a presença do Santiago inteligente, culto e contador de historia, mas sim aquele Santiago que burlava a solidão com seus pensamentos, que mostrava respeito até pelos personagens que cultuava e escrevia.

Em relação ao que percebo de mais emocionante deixo apenas uma frase que acredito ser de minha autoria “Nem todos somos capazes de contar uma grande Historia, mas grandes Historias podem surgir de todos os lugares.”

Santiago é um documentário rude, que atinge e emociona, que te zanga pela brutalidade, mas te rasga de sensibilidade, na humildade de seu protagonista.

Um filme que mostra o quão interessante e emocionante pode ser um pedido de desculpas.

Watchmen: Destaque para algumas adaptações de HQ (Parte 2)

Aos admiradores perplexos e fanaticos das HQ's de Frank Miller (sin City), Alan Moore (watchmen) e Mark Millar e John Romita Jr.(Kick Ass) eu vos digo... Orgulhai-vos da sétima arte.

E digo como um apreciador dessas Histórias.

 

Uma obra conhecida por seu poder destrutivo de cativar por um motivo discutido até na atualidade, Watchmen(Allan Moore) apesar de ter sido feita nos anos 70 tem seus ecos e seus reflexos ainda bastantes vivos.

Sem temer critica, preconceito ou sensura, ela mostra o sonho Americano convertido num mar de fúrias e feridas politicas que estão beirando a uma Guerra nuclear entre a hoje "extinta" União Sovietica e o todo poderoso Estados Unidos da America.

uma História que os criticos e fãs (Eu) consideravam inadaptavel às telonas do cinema

Watchmen se destaca pela sua natureza complexa, no convivio de heróis e anti-heróis, a paranóia social, o declinio civico e principalmente as ameaças reais tanto da guerra quanto do Dr: Manhattan.

Em 2001 Paul Greengrass (supremacia Bourne, Ultimato Bourne) recebe o segundo projeto de Watchmen (informação não confirmada) pra ser feita uma grande produção financiada principalmente pela Warner que seria responsavel pela distribuição, e estrelas como Angelina Jolie (O turista/2010) e Denzel Washington (Incontrolavel/2010) estariam envolvidos, mas mesmo com grande investimento, o projeto foi arquivado, e depois de anos de mão em mão boatos de que a warner estaria procurando diretor pro novo projeto Watchmen surgiram fortes nos bastidores do mundo dos cinéfilos e dos adoradores de quadrinhos.

No fim de 2007 veio a confirmação e um diretor novato Zack Snyder (300/2007) é a grande aposta da Warner pra o sucesso do projeto.

Hollywood estava otimista, mas os fãs do quadrinhos uns estavam odiando e outro (eu) estavam receiosos com a ideia.

 

Sinopse:

 

Ambientado numa realidade fictícia norte-americana nos anos 80, um grupo de super-heróis aposentados começa a ter sua vida ameaçada. Rorschach (Jackie Earle Haley), detetive que usa uma máscara desfigurada, e o Coruja (Patrick Wilson) passam a investigar a identidade do vilão antes que suas próprias vidas corram perigo.

 

Resultado:

 

As ideias convergem, mas se eu considero Sin City (2005) a mãe das adaptações Watchmen sem duvida é a mais ousada e complexa obra ja adaptada, não só pelos efeitos mas pela dinamica do roteiro, a fotografia e o slow motion. a obra cinematografica tenta sobre tudo se manter fiel a grafic novel de Allan Moore e consegue em parte, mesmo mudando o final não muda a idéia central e muito menos a mensagem da obra, e a considero quase perfeita.

Quem leu a HQ e assistiu o filme certamente deve concordar, aos que só assistiram devem ficar um pouco perdidos e vão achar lento e cansativo, mesmo assim recomendo a todos tanto o filme quanto o quadrinho.

Destaque:

Destaque especialmente pra Jeffrey Dean Morgan que fez brilhantemente o contrastuoso anti-heroi Comediante arracando ódio e ao mesmo tempo admiração que assiste.

Destaque para algumas adaptações de HQ (Parte 1)

Aos admiradores perplexos e fanaticos das HQ's de Frank Miller (sin City), Alan Moore (watchmen) e Mark Millar e John Romita Jr.(Kick Ass) eu vos digo... Orgulhai-vos da sétima arte.

E digo como um apreciador dessa histórias.

Análise da Obra Sin city

Robert Rodriguez que também é fã de quadrinhos mais especificamente de Frank Miller tinha a idéia de transformar tres obras da série Sin City (A grande matança, A cidade do pecado e O assassino amarelo) em filme mas de ter a ideía e torna-la realidade era uma distancia gigante, pela falta de recursos o diretor convida Josh Hartnett pra contrução de um curta metragem que serviria de convite pros demais interessados em levar o projeto a frente, que com o apoio de nimguem mais nimguem menos do criativo e badalado Quentin Tarantino que até se assustou ao ver Frank miller no set de gravação momento esse em que Tarantino percebeu a força que o projeto tinha tomado tendo em seu cardapio de atores Bruce Willis, Benicio del Toro, Elijah wood, Clive Owen, Mickey Rourke e a linda Jessica Alba.

A partir daí ja se tinha uma noção do que poderia vir, um elenco poderoso, e uma trinca de diretores que teinha tudo pra dá certo.

Sinopse

Bruce Willis interpreta Hartigan, um policial prestes a explodir que deve cumprir a promessa de proteger a stripper Nancy (Jessica Alba); Mickey Rourke é Marv, o misantropo errante, cuja missão é vingar a morte da única mulher que realmente amou, Goldie (Jaime King); e Clive Owen vive Dwight, amante clandestino de Shelley (Brittany Murphy), que passa suas noites defendendo Gail (Rosario Dawson) e suas garotas (Devon Aoki e Alexis Bledel) da mira de Jackie Boy (Benicio Del Toro), um policial corrupto e violento.

Resultado

Carnificina total, uma viagem por efeitos especiais simples e ao mesmo tempo complexos, uma acertada cartada de mestres um filme de 5 cores (azul, vermelho, amarelo preto e branco) de beleza criativa inigualavel a perfeição de cenas em comparação a HQ é invejável e deixou boqueaberto até o proprio autor da HQ respeitando cada historia a seu tempo. Mickey  Rourke é a propria encarnação do gigante feioso e solitario Marv, Bruce Willias praticamente detonou na personagem do policial 50tão Hartigan, entre vários outros destaques como a Jessical Alba no papel da sensual Nancy Calahan.

Nascia nesse momento (na minha opinião) a mãe das adaptações de HQ's  Sin City- A cidade do pecado.